Musik machen – wikiHow

2024 Autor: Gilbert Ryder | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 17:23

Die ersten bekannten Musikinstrumente waren Knochenflöten, die vor 35.000 Jahren gefunden wurden, obwohl der Mensch möglicherweise schon lange zuvor gesungen hat. Im Laufe der Zeit hat sich ein Verständnis dafür entwickelt, wie musikalische Klänge erzeugt und organisiert werden. Du musst zwar nicht alles über Tonleitern, Rhythmen, Melodien und Harmonien wissen, um Musik zu machen, aber ein Verständnis einiger der Konzepte wird dir helfen, Musik zu schätzen und besser zu machen.

Schritte

Teil 1 von 4: Klänge, Noten und Tonleitern

Schritt 1. Verstehe den Unterschied zwischen „Pitch“und „Note“

” Diese Begriffe beschreiben Qualitäten von Musikklängen. Obwohl die Begriffe verwandt sind, werden sie etwas anders verwendet.

„Tonhöhe“bezieht sich auf das Gefühl von Tiefe oder Höhe, das mit der Frequenz eines bestimmten Klangs verbunden ist. Je höher die Frequenz, desto höher die Tonhöhe. Der Frequenzunterschied zwischen zwei beliebigen Tonhöhen wird als „Intervall“bezeichnet.
„Note“bezieht sich auf einen benannten Tonhöhenbereich. Die Standardfrequenz für A über dem mittleren C beträgt 440 Hertz, aber einige Orchester verwenden einen etwas anderen Standard, z. B. 443 Hertz, um einen helleren Klang zu erzeugen.
Die meisten Leute können feststellen, ob eine Note richtig klingt, wenn sie gegen eine andere Note oder einen Teil einer Reihe von Noten in einem Musikstück gespielt wird, das sie kennen. Dies wird als „relative Tonhöhe“bezeichnet. Einige Leute besitzen "absolute Tonhöhe" oder "perfekte Tonhöhe", was die Fähigkeit ist, eine bestimmte Tonhöhe zu identifizieren, ohne eine Referenztonhöhe zu hören.

Schritt 2. Verstehe den Unterschied zwischen „Timbre“und „Ton“

” Diese Lautbegriffe werden im Allgemeinen in Bezug auf Musikinstrumente verwendet.

„Timbre“bezieht sich auf die Kombination aus Primärtonhöhe (Grundton) und Sekundärtonhöhe (Obertöne), die ertönt, wenn ein Musikinstrument eine Note spielt. Wenn Sie die tiefe E-Saite einer Akustikgitarre anschlagen, hören Sie tatsächlich nicht nur die tiefe E-Note, sondern auch zusätzliche Tonhöhen bei Frequenzen, die ein Vielfaches der niedrigen E-Frequenz sind. Die Kombination dieser Klänge, die zusammenfassend auch als „Harmonische“bezeichnet werden, unterscheidet ein Instrument von anderen Instrumenten.
„Ton“ist ein etwas nebulöser Begriff. Es bezieht sich auf die Wirkung, die die Kombination von Grund- und Nebenharmonischen auf das Ohr des Hörers hat. Das Hinzufügen von höheren Obertönen zum Timbre einer Note erzeugt einen helleren oder schärferen Ton, während das Dämpfen einen weicheren Ton erzeugt.
„Ton“bezieht sich auch auf ein Intervall zwischen zwei Tonhöhen, auch Ganzton genannt. Die Hälfte dieses Intervalls wird als „Halbton“oder Halbton bezeichnet.

Schritt 3. Weisen Sie den Notizen Namen zu

Musiknoten können auf verschiedene Weise benannt werden. In den meisten westlichen Ländern werden üblicherweise zwei Methoden verwendet.

Buchstabennamen: Noten bestimmter Frequenzen werden Buchstabennamen zugeordnet. Im englisch- und niederländischsprachigen Raum laufen die Buchstaben von A bis G. Im deutschsprachigen Raum hingegen wird „B“für die B-Note (die schwarze Klaviertaste zwischen der A- und H-Taste) verwendet und an „H“wird verwendet, um die natürliche B-Note darzustellen (die weiße H-Taste auf einem Klavier).
Solfeggio (auch „Solfege“oder „Solfeo“genannt): Dieses System, das Fans von „The Sound of Music“vertraut ist, weist Noten einsilbige Namen entsprechend ihrer aufeinanderfolgenden Positionen innerhalb einer Tonleiter zu. Das ursprüngliche System, das vom Mönch Guido d’Arezzo aus dem 11. Im Laufe der Zeit wurde „ut“durch „do“ersetzt, während manche „sol“zu „so“verkürzen und „ti“statt „si“singen. (Einige Teile der Welt verwenden die Solfeggio-Namen so, wie die westliche Welt Buchstabennamen verwendet.)

Schritt 4. Organisieren Sie eine Reihe von Noten in einer Tonleiter

Eine Tonleiter ist eine Reihe aufeinanderfolgender Intervalle zwischen Tonhöhen, so dass die höchste Tonhöhe die doppelte Frequenz der niedrigsten Tonhöhe hat. Dieser Bereich wird Oktave genannt. Dies sind einige der gängigen Skalen:

Eine vollchromatische Tonleiter verwendet 12 Halbtonintervalle. Das Spielen einer Oktave auf dem Klavier vom mittleren C bis zum C über dem mittleren C, wobei alle weißen und schwarzen Tasten dazwischen erklingen, erzeugt eine chromatische Tonleiter. Andere Skalen sind eingeschränktere Formen dieser Skala.
Eine Dur-Tonleiter verwendet sieben Intervalle: Der erste und der zweite sind ganze Schritte; der dritte ist ein Halbton; der vierte, der fünfte und der sechste sind ganze Schritte; und der siebte ist ein Halbton. Das Spielen einer Oktave auf dem Klavier vom mittleren C bis zum oberen C, wobei nur die weißen Tasten erklingen, ist ein Beispiel für eine Dur-Tonleiter.
Eine Moll-Tonleiter verwendet ebenfalls sieben Intervalle. Die häufigste Form ist die natürliche Moll-Tonleiter. Das erste Intervall ist ein Ganzton, das zweite aber ein Halbton, der dritte und vierte Ganzton, der fünfte ein Halbton und der sechste und siebte Ganzton. Das Spielen einer Oktave auf dem Klavier von A unter dem mittleren C bis A über dem mittleren C, wobei nur die weißen Tasten erklingen, ist ein Beispiel für eine natürliche Moll-Tonleiter.
Eine pentatonische Tonleiter verwendet fünf Intervalle. Das erste Intervall ist ein Ganzton, das nächste drei Halbtöne, das dritte und vierte jeweils ein Ganzton und das fünfte drei Halbtöne. (In der Tonart C bedeutet dies, dass die verwendeten Noten wieder C, D, F, G, A und C sind.) Sie können auch eine pentatonische Tonleiter spielen, indem Sie auf einem Klavier nur die schwarzen Tasten zwischen dem mittleren C und dem hohen C spielen. Pentatonische Tonleitern werden in der afrikanischen, ostasiatischen und indianischen Musik sowie in der Volksmusik verwendet.
Dur-Tonleitern sind erhebender und fröhlicher, während Moll-Tonleitern einen dunkleren, ernsteren Ton haben.
Die tiefste Note der Tonleiter wird als „Tonart“bezeichnet. Normalerweise werden Lieder so geschrieben, dass die letzte Note des Liedes der Grundton ist; ein Lied, das in der Tonart C geschrieben ist, endet fast immer auf der Note C. Ein Tonartname beinhaltet normalerweise auch, ob das Lied in einer Dur- oder Moll-Tonleiter gespielt wird; Wenn die Tonleiter nicht benannt ist, wird sie als Durtonleiter verstanden.

Schritt 5. Verwenden Sie Sharps und Flats, um die Tonhöhe der Noten anzuheben und abzusenken

Sharps und Flats erhöhen und senken die Tonhöhen von Noten um einen Halbton. Sie sind notwendig, wenn Sie in anderen Tonarten als C-Dur oder A-Moll spielen, um die Intervallmuster für Dur- und Moll-Tonleitern korrekt zu halten. Sharps und Flats werden in Notenzeilen mit Symbolen angezeigt, die als Vorzeichen bezeichnet werden.

Ein scharfes Symbol, das dem Hashtag (#) ähnelt und vor einer Note platziert wird, erhöht ihre Tonhöhe um einen Halbton. In den Tonarten G-Dur und E-Moll wird das F um einen Halbton angehoben, um fis zu werden.
Ein vor einer Note platziertes Flat-Symbol, das einem spitzen Kleinbuchstaben „b“ähnelt, senkt die Tonhöhe um einen Halbton. In den Tonarten F-Dur und D-Moll wird das H um einen Halbton abgesenkt, um B-Dur zu werden.
Der Einfachheit halber werden die Noten, die immer in einer bestimmten Tonart angehoben oder abgeflacht werden müssen, am Anfang jeder Zeile in der Notenzeile in der Tonartvorzeichnung angegeben. Vorzeichen dürfen dann nur für Noten außerhalb der Dur- oder Moll-Tonart verwendet werden, in der das Lied geschrieben ist. Wenn Vorzeichen auf diese Weise verwendet werden, gelten sie nur für das Vorkommen dieser Note vor der vertikalen Linie, die die Takte trennt.
Ein natürliches Symbol, das wie ein vertikales Parallelogramm aussieht, mit einer vertikalen Linie, die sich von zwei seiner Scheitelpunkte nach oben und unten erstreckt, wird vor jeder Note verwendet, die sonst zugespitzt oder abgeflacht wäre, um anzuzeigen, dass sie nicht an dieser Stelle sein sollte im Lied. Naturals erscheinen nie in Tonartvorzeichnungen, aber ein Natural kann den Effekt eines innerhalb eines Taktes verwendeten Kreuzes oder Flats aufheben.

Teil 2 von 4: Beats und Rhythmen

Schritt 1. Verstehen Sie den Unterschied zwischen „Beat“, „Rhythmus“und „Tempo“

” Auch diese Begriffe hängen eng zusammen.

„Beat“bezieht sich auf einen individuellen Puls der Musik. Ein Beat kann entweder eine erklingende Note oder eine Pause sein, die als Pause bezeichnet wird. Ein Beat kann auch auf mehrere Noten aufgeteilt werden oder mehrere Beats können einer einzelnen Note oder Pause zugewiesen werden.
„Rhythmus“bezieht sich auf eine Reihe von Schlägen oder Pulsen. Der Rhythmus wird durch die Anordnung der Noten und Pausen innerhalb eines Songs bestimmt.
„Tempo“bezieht sich darauf, wie schnell oder langsam ein Song gespielt wird. Je schneller das Tempo, desto mehr Beats werden pro Minute gespielt. „The Blue Danube Waltz“hat ein langsames Tempo, während „The Stars and Stripes Forever“ein schnelleres Tempo hat.

Schritt 2. Beats in Takte gruppieren

Takte sind Gruppen von Schlägen. Jeder Takt hat die gleiche Anzahl von Schlägen. Die Anzahl der Schläge, die jeder Takt hat, wird in geschriebenen Noten mit einer Taktart angegeben, die wie ein Bruch aussieht, ohne dass Zähler und Nenner durch eine Linie getrennt werden.

Die oberste Zahl gibt die Anzahl der Schläge pro Takt an. Diese Zahl ist normalerweise eine 2, 3 oder 4, kann aber auch 6 oder höher sein.
Die untere Zahl gibt an, welche Art von Note einen vollen Beat erhält. Wenn die untere Zahl eine 4 ist, erhält eine Viertelnote (sie sieht aus wie ein gefülltes Oval mit einer daran angehängten Linie) einen vollen Schlag. Wenn die untere Zahl eine 2 ist, erhält eine halbe Note (sieht aus wie ein offenes Oval mit einer daran angehängten Linie) einen vollen Schlag. Wenn die untere Zahl eine 8 ist, erhält eine Achtelnote (sieht aus wie eine Viertelnote mit einer daran befestigten Flagge) einen vollen Schlag.

Schritt 3. Suchen Sie nach dem gestressten Beat

Rhythmen werden danach bestimmt, welche Schläge im Takt akzentuiert (betont) und welche nicht (unbetont) sind.

Bei den meisten Musikstücken wird der erste Schlag oder Downbeat betont. Die restlichen Beats oder Upbeats werden nicht betont, obwohl in einem Takt von vier Beats der dritte Beat betont werden kann, jedoch in geringerem Maße als der Downbeat. Gestresste Beats werden manchmal auch als starke Beats bezeichnet, während nicht betonte Beats manchmal als schwache Beats bezeichnet werden.
Einige Musikstücke betonen andere Beats als den Downbeat. Diese Art von Stress wird als Synkope bezeichnet, und so gestresste Schläge werden als Rückschläge bezeichnet.

Teil 3 von 4: Melodie, Harmonie und Akkorde

Schritt 1. Definieren Sie den Song mit seiner Melodie

„Melodie“ist eine Abfolge von Noten, die die Person, die sie hört, aufgrund der Tonhöhen der Noten und des Rhythmus, mit dem sie gespielt werden, als ein zusammenhängendes Lied identifiziert.

Melodien bestehen aus Phrasen, bei denen es sich um Taktgruppen handelt. Diese Phrasen können sich während der gesamten Melodie wiederholen, wie im Weihnachtslied „Deck the Halls“, wo die erste und zweite Zeile dieselbe Taktfolge verwenden.
Eine übliche melodische Liedstruktur besteht darin, eine Melodie für eine Strophe und eine verwandte Melodie als Refrain oder Refrain zu verwenden.

Schritt 2. Begleiten Sie die Melodie mit Harmonie

„Harmonie“ist das Spielen von Noten außerhalb der Melodie, um ihren Klang entweder zu verstärken oder zu kontrastieren. Wie bereits erwähnt, erzeugen viele Saiteninstrumente beim Zupfen tatsächlich mehrere Töne; die Obertöne, die mit dem Grundton klingen, sind eine Form der Harmonie. Harmonie kann durch die Verwendung von musikalischen Phrasen oder Akkorden erreicht werden.

Harmonien, die den Klang der Melodie verstärken, werden als „Konsonanten“bezeichnet. Die Obertöne, die beim Zupfen einer Gitarrensaite mit dem Grundton erklingen, sind eine Form der Konsonantenharmonie.
Harmonien, die sich von der Melodie abheben, werden als „dissonant“bezeichnet. Dissonante Harmonien können durch das gleichzeitige Spielen mehrerer kontrastierender Melodien erzeugt werden, z.
Viele Lieder verwenden Dissonanzen, um verunsicherte Gefühle auszudrücken und allmählich auf konsonante Harmonien hinzuarbeiten. Im Beispiel der Runde von „Row Row Row Your Boat“oben wird das Lied ruhiger, bis die letzte Gruppe „Life is but a dream“singt, wenn jede Gruppe ihre Strophe zum letzten Mal gesungen hat.

Schritt 3. Stapeln Sie Noten, um Akkorde zu bilden

Ein Akkord entsteht, wenn drei oder mehr Töne erklingen, normalerweise gleichzeitig, aber nicht immer.

Die gebräuchlichsten Akkorde sind Dreiklänge (drei Noten), bei denen jede nachfolgende Note zwei Noten höher ist als die vorherige Note. In einem C-Dur-Akkord sind die Noten C (der Akkordgrundton), E (die große Terz) und G (die Quinte). Bei einem c-Moll-Akkord wird das Es durch ein Es-Dur (die kleine Terz) ersetzt.
Ein weiterer häufig verwendeter Akkord ist der Septakkord, bei dem eine vierte Note zum Dreiklang hinzugefügt wird, die siebte Note vom Grundton nach oben. Ein C-Dur-Septakkord fügt dem C-E-G-Dreiklang eine B-Note hinzu, um die Sequenz C-E-G-B zu bilden. Septakkorde sind dissonanter als Dreiklänge.
Es ist möglich, für jede einzelne Note in einem Song einen anderen Akkord zu verwenden; So entsteht die Harmonie des Barbershop-Quartetts. Häufiger werden Akkorde jedoch mit Noten gepaart, die sich im Akkord befinden, wie zum Beispiel das Spielen eines C-Dur-Akkords, um die E-Note in einer Melodie zu begleiten.
Viele Lieder werden mit nur drei Akkorden gespielt, deren Grundtöne die erste, vierte und fünfte Note einer Tonleiter sind. Diese Akkorde werden mit den römischen Ziffern I, IV und V dargestellt. In der Tonart C-Dur wären diese Akkorde C-Dur, F-Dur und G-Dur. Oft wird ein V-Dur- oder Moll-Akkord durch einen Septakkord ersetzt, so dass beim Spielen in C-Dur der V-Akkord ein G-Dur-Septakkord wäre.
Die Akkorde I, IV und V stehen in Wechselbeziehung zwischen den Tonarten. Während der F-Dur-Akkord der IV-Akkord in der Tonart C-Dur ist, ist der C-Dur-Akkord der V-Akkord in der Tonart F-Dur. Der G-Dur-Akkord ist der V-Akkord in der Tonart C-Dur, aber der C-Dur-Akkord ist der IV-Akkord in der Tonart G-Dur. Diese Wechselbeziehung zieht sich durch den Rest der Akkorde und kann als ein Diagramm namens Quintenzirkel abgebildet werden.

Teil 4 von 4: Arten von Musikinstrumenten

Schritt 1. Schlagen oder kratzen Sie ein Schlaginstrument, um damit Musik zu machen

Schlaginstrumente gelten als eine der ältesten Formen von Musikinstrumenten. Die meisten werden verwendet, um Rhythmus zu erzeugen und zu halten, obwohl einige die Melodie spielen oder Harmonien erzeugen können.

Schlaginstrumente, die durch Schwingung ihres gesamten Körpers Töne erzeugen, werden Idiophone genannt. Dazu gehören Instrumente, die zusammen angeschlagen werden, wie Becken und Kastagnetten, und solche, die von etwas anderem angeschlagen werden, wie Stahltrommeln, Triangel und Xylophone.
Schlaginstrumente mit einer „Haut“oder „Kopf“, die beim Anschlagen vibriert, werden Membranophone genannt. Dazu gehören Trommeln wie Pauke, Tom-Tom und Bongo sowie Instrumente, die eine Saite oder einen Stick an der Membran befestigen, die beim Ziehen oder Reiben vibriert, wie das Brüllen des Löwen oder die Cuica.

Schritt 2. Blasen Sie in ein Holzblasinstrument, um damit Musik zu machen

Holzblasinstrumente erzeugen einen Klang, indem sie beim Anblasen vibrieren. Die meisten enthalten Tonlöcher, um die Tonhöhe des erzeugten Klangs zu ändern, wodurch sie sich zum Spielen von Melodien und Harmonien eignen. Holzbläser werden in zwei Arten unterteilt: Flöten, die Töne erzeugen, indem sie den gesamten Instrumentenkörper in Schwingung versetzen, und Zungenpfeifen, die das im Instrument befindliche Material in Schwingung versetzen. Diese werden weiter in zwei Untertypen unterteilt.

Offene Flöten erzeugen den Klang, indem sie einen über den Rand des Instruments geblasenen Luftstrom teilen. Konzertflöten und Panflöten sind Arten der offenen Flöte.
Geschlossene Flöten leiten Luft durch einen Kanal im Instrument, um sie zu spalten und das Instrument zum Schwingen zu bringen. Die Blockflöte und die Orgelpfeifen sind geschlossene Flöten.
Einrohrblattinstrumente setzen ein Blatt in das Instrumentenmundstück ein. Beim Einblasen vibriert das Rohrblatt die Luft im Inneren des Instruments, um einen Klang zu erzeugen. Klarinetten und Saxophone sind Beispiele für Einzelblattinstrumente. (Obwohl der Korpus eines Saxophons aus Messing besteht, gilt es als Holzblasinstrument, da es ein Rohrblatt verwendet, um seinen Klang zu erzeugen.)
Doppelrohrblattinstrumente verwenden zwei an einem Ende zusammengebundene Rohrblätter anstelle eines einzelnen Rohrblatts. Instrumente wie Oboe und Fagott legen dem Spieler das Doppelrohrblatt direkt zwischen die Lippen, während Instrumente wie Krummhorn und Dudelsack das Doppelrohrblatt bedeckt halten.

Schritt 3. Blase mit geschlossenen Lippen in ein Blechblasinstrument, um damit Musik zu machen

Im Gegensatz zu Holzblasinstrumenten, die sich ausschließlich auf die Lenkung eines Luftstroms verlassen, vibrieren Blechblasinstrumente zusammen mit den Lippen des Spielers, um ihren Klang zu erzeugen. Obwohl Blechblasinstrumente so genannt werden, weil die meisten von ihnen aus Messing bestehen, werden sie nach ihrer Fähigkeit gruppiert, ihren Klang zu ändern, indem sie die Entfernung ändern, die der Luftstrom zurücklegen muss, bevor er austritt. Dies geschieht durch eine von zwei Methoden.

Posaunen verwenden einen Schieber, um die Entfernung zu ändern, die der Luftstrom zurücklegen muss. Das Herausziehen des Schiebers verlängert die Distanz und senkt den Ton, während das Hineinschieben die Distanz verkürzt und den Ton anhebt.
Andere Blechblasinstrumente wie Trompete und Tuba verwenden einen Satz Ventile in Form von Kolben oder Tasten, um die Luftstromlänge innerhalb des Instruments zu verlängern oder zu verkürzen. Diese Ventile können einzeln oder in Kombination gedrückt werden, um den gewünschten Klang zu erzeugen.
Holz- und Blechblasinstrumente werden oft als Blasinstrumente zusammengefasst, da beide zum Musizieren angeblasen werden müssen.

Schritt 4. Bringen Sie die Saiten eines Saiteninstruments zum Schwingen, um damit Musik zu machen

Die Saiten von Saiteninstrumenten können auf drei Arten in Schwingung versetzt werden: durch Zupfen (wie bei einer Gitarre), durch Schlagen (wie bei einem Hackbrett oder den Tastenhämmern eines Klaviers) oder durch Sägen (wie beim Bogen auf einer Geige oder einem Cello). Saiteninstrumente können entweder für rhythmische oder melodische Begleitung verwendet werden und lassen sich in drei Kategorien einteilen:

Lauten sind Saiteninstrumente mit Resonanzkörper und Hals, wie Geigen, Gitarren und Banjos. Sie verfügen über Saiten gleicher Länge (außer der tiefen Saite bei einem fünfsaitigen Banjo) und unterschiedlicher Dicke. Dickere Saiten erzeugen einen tiefen Ton, während dünne Saiten einen höheren Ton erzeugen. Saiten können an markierten Stellen (Bünden) abgeklemmt werden, um sie effektiv zu verkürzen und ihre Tonhöhe anzuheben.
Harfen sind Saiteninstrumente, deren Saiten in einem Rahmen gebunden sind. Harfen haben typischerweise Saiten von zunehmend kürzerer Länge, die vertikal angeordnet sind, wobei das untere Ende der Saite mit dem Resonanzkörper oder Resonanzboden verbunden ist.
Zithern sind Saiteninstrumente, die auf einen Korpus montiert werden. Ihre Saiten können angeschlagen oder gezupft werden, wie bei der Autoharfe, oder direkt, wie beim Hackbrett, oder indirekt, wie beim Klavier.

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Tipps

Dur- und natürliche Moll-Tonleiter sind so miteinander verbunden, dass die Moll-Tonleiter einer Tonart zwei Noten tiefer als die Dur-Tonleiter dieselben Noten schärfen oder abflachen. Somit teilen sich die Tonarten von C-Dur und A-Moll, die keine Kreuze oder Bs verwenden, dieselbe Tonart.
Bestimmte Instrumente und Kombinationen von Instrumenten sind mit bestimmten Musikarten verbunden. Zum Beispiel werden Streichquartette, die aus zwei Violinen, einer Bratsche und einem Cello bestehen, typischerweise verwendet, um eine Art klassischer Musik namens Kammermusik zu spielen. Jazzbands verfügten normalerweise über eine Rhythmusgruppe mit Schlagzeug, Klavier und möglicherweise einen Kontrabass oder eine Tuba und eine Horngruppe mit Trompeten, Posaunen, Klarinetten und Saxophonen. Es kann Spaß machen, einige Songs mit anderen Instrumenten zu spielen, als sie dafür vorgesehen waren, wie es „Weird Al“Yankovic mit seiner Auswahl an Rocksongs tut, die im Polka-Stil auf dem Akkordeon gespielt werden.